Sucinta Historia de la Literatura Universal (y 8). La renovación del teatro en el siglo XX

TEMA 8. LA RENOVACIÓN DEL TEATRO EN EL SIGLO XX
1. Renovación del teatro 
2. Teatro del absurdo 
3. Teatro de compromiso 
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1. RENOVACIÓN DEL TEATRO
1.1. Nociones sobre el teatro a principios del s. XX  
En el siglo XX se vivió una auténtica revolución en el teatro, como había pasado en otras manifestaciones artísticas. Los impulsos renovadores intentaban superar el teatro realista y tradicional heredado y triunfante en los escenarios (es el conocido como “teatro burgués” o “alta comedia”). 
Los autores y directores buscaban nuevos horizontes teatrales relacionados con los aspectos de la escena, la expresión y la interrelación actor-espectador. El objetivo era renovar el espectáculo teatral para acercarlo y hacerlo atractivo a un público, en parte, distinto, y para dar cuenta de las nuevas circunstancias socio-políticas del siglo XX (dos guerras mundiales, la guerra civil española, la crisis de 1929, auge de los totalitarismos –comunismo y fascismo–, etc.). Elementos que determinaron la renovación teatral fueron:
+La irrupción del cine y su mezcla de arte, espectáculo y entretenimiento. Actúa como un modelo y un revulsivo para el mundo del teatro si quiere contar con el favor del público.
+Abundantes progresos técnicos relativos a espacios teatrales, decorados, iluminación, sonido, cambios de escenarios… refrescan el espectáculo en sus aspectos físicos de puesta en escena.
+El director teatral obtiene libertad para interpretar libremente el texto teatral y realizar una puesta en escena original.
Dos dramaturgos iniciaron la renovación teatral. El director francés André Antoine llevó a la escena representaciones tan naturales que parecieran verdaderas; creó el concepto de “cuarta pared” (la que separaría a los actores del público), para que los actores actuaran como si nadie los contemplara, olvidándose de que representaban ante un público. El director y teórico ruso Stanilavsky exploró diversos caminos para aumentar la verosimilitud y lograr que el espectador olvidara que se hallaba en un teatro.
Las principales tendencias teatrales son: la renovación dramática (que es la que a nosotros nos importa en este apartado), teatro expresionista (Georg Káiser), teatro épico y de compromiso (Bertolt Brecht), teatro del absurdo (Samunel Beckett y Eugéne Ionesco, lo desarrollaremos en el siguiente apartado temático) y teatro tradicional (Bernard Shaw y Jean Giradoux). Conviene recordar dos excelentes dramaturgos escandinavos de finales del siglo XIX, Henrik Ibsen (La casa de muñecas) y August Strindberg (La señorita Julia). También en España se introdujeron novedades con la dramaturgia de la mano de Pérez Galdós, Valle-Inclán, Miguel de Unamuno, García Lorca, Rafael Alberti y Miguel Mihura principalmente.
1.2. La renovación dramática
Como contestación al teatro realista-naturalista de las últimas décadas del siglo XIX, surgen dramaturgos que rompen con ese teatro y aportan nuevas concepciones dramáticas con innovaciones aperturistas y originales. Intentaban dotar de más expresividad y contenido a la obra y a la representación, buscando la colaboración del espectador.
1.2.1. Alfred Jarry (Francia, 1873 – 1907)
Este audaz y excéntrico dramaturgo francés rompió violentamente con el teatro tradicional al introducir en la escena la burla despiadada, la parodia hiriente, el absurdo, la irreverencia, etc. Es célebre la anécdota de que su principal obra, Ubú, rey, comienza con la palabra “merde” (mierda, en francés). 
En la pieza, el capitán de ejército polaco, ex rey de Aragón y gran doctor en Patafísica, Ubú, instigado por su mujer, decide derrocar al Rey de Polonia Venceslao, instalando una terrible tiranía. Pelelao, hijo del antiguo rey, logra escapar de la matanza de su familia, acudiendo al apoyo del zar de Rusia. Mientras, Ubú rey sube los impuestos a cifras inconcebibles, castigando a su capricho y entregado a la corrupción desvergonzada. Una vez que el príncipe Pelelao llega con su ejército, Ubú deja a Polonia en las manos de su mujer y parte a la guerra, donde es derrotado. Perseguido luego del desastre, se encuentra por azar con su esposa y juntos escapan de Polonia en barco, gracias a la ayuda de alguno de sus fieles. Otras obras con el mismo extravagante personaje son Ubú en la colina, Ubú cornudo y Ubú encadenado.
1.2.2. Antonin Artaud (Francia, 1896-1948)
Este dramaturgo, teórico del teatro y poeta exploró caminos nuevos para el arte escénico. Tuvo una vida marcada por la enfermedad, sobre todo mental, con accesos de locura. Oscilaba entre la fe cristiana y un descreimiento corrosivo. Vivió en Méjico una temporada conviviendo con los indígenas tarahumaras; fue amigo de los surrealistas.
Artaud acuñó el concepto de Teatro de la Crueldad. Creía que la representación teatral debería afectar a la audiencia tanto como fuera posible, por lo que utilizaba una mezcla de formas de luz, sonido y ejecución; producía en el espectador sensaciones extrañas y perturbadoras.
En su libro El teatro y su doble (1938), Artaud expresó su admiración por formas de teatro orientales porque materializaba la acción de modo preciso y ritual. Con “crueldad” se refería a una violenta determinación física para destrozar la falsa realidad. Consideraba que el texto había sido un tirano del significado, y aboga en cambio por el teatro hecho de un lenguaje único, un punto medio entre los pensamientos y los gestos. Artaud describía lo espiritual en términos físicos, y creía que toda expresión  tiene un reflejo físico en el espacio. Cierta violencia condensada es parte de la vida misma, por lo que debe aparecer en escena. El texto queda subordinado a la puesta en escena (al espacio y a la capacidad de expresión dramática del actor).
Esta brutalidad está en conexión con  su visión nihilista del universo (tomado de Nietzsche). Y ello lleva a un rechazo de formas amortiguadoras y a una incitación al caos, pero de modo disciplinado y sistemático, para darle rigor para al espectáculo.
La imaginación, para Artaud, es la realidad; sueños, pensamientos e ideas delirantes no son menos reales que lo de “fuera” del mundo. Realidad parece ser un acuerdo, el mismo acuerdo que la audiencia acepta cuando va a un teatro para ver una obra, que por un tiempo pretende que lo que están viendo es real. Su obra más interesante es el ensayo histórico Heliogábalo o el anarquista coronado. Analiza y valora positivamente la vida de este emperador romano (203-222 d.C.), que sólo reinó cuatro años, fascinado por su androginia, su anarquismo brutal y caprichoso y su muerte repugnante en las letrinas romanas.
1.2.3. Luigi Pirandello (Italia, 1867-1936)
Estamos ante uno de los dramaturgos más interesantes del siglo XX. Con formación universitaria, escribió importantes piezas y fundó su propia compañía de teatro, con la que recorrió el mundo. Escribe un teatro reflexivo y de estructura metateatral, para incitar a la reflexión al espectador. Veamos algunas de sus obras.
Así es (si así os parece) es una “farsa filosófica”. La obra trata el tema de la verdad, el contraste entre realidad y apariencia, entre verdadero y falso. Pirandello pone en crisis la idea de una realidad objetiva que pueda interpretarse de modo unívoco mediante los instrumentos de la racionalidad. Enrique IV es un estudio sobre el significado de la locura, al mismo tiempo que sobre el tema, muy querido a su autor, de la relación, compleja y finalmente inextricable, entre personaje y persona, ficción y realidad. Esta noche no se improvisa es un ejemplo de metateatro: los actores representan que representan una pieza, pero en este caso se rebelan contra su director. 
Seis personajes en busca de autor ha llegado a ser la pieza más célebre de Pirandello. Durante los ensayos de una obra, aparecen seis personajes (una familia con cuatro hijos de una madre y dos padres) que insisten en contar sus propias vidas, pues el autor los había dejado abandonados; no los había pasado al papel. Un final trágico oscurece el drama, pues el niño menor muere accidentalmente y la hija los abandona violentamente.
2. TEATRO DEL ABSURDO
El teatro del absurdo tiene su origen en Francia a partir de la década de los 50 con autores como Eugene Ionesco y Samuel Beckett.  En el panorama europeo encontramos precursores de esta nueva forma teatral desde principios de siglo, como Luigi Pirandello.
Las características fundamentales son:
a) Está en relación directa con el existencialismo; la visión pesimista y agónica del hombre como un ser abandonado a su suerte en el mundo, en soledad; la toma de conciencia de esta situación provoca angustia y desasosiego. Puesto que la propia existencia es caótica, incomprensible y disparatada, las obras dramáticas deben ser de esta hechura.
b) El hombre se encuentra perdido en un mundo absurdo y sin sentido: la representación debe reflejar este caos inextricable, añadiendo humor negro, situaciones ridículas, etc. 
c) Manifestación de la angustia ante el fluir del tiempo, la llegada de la muerte y la nada que nos espera.
d) Soledad, incomunicación (y hasta descomposición) de los seres humanos, por eso los personajes hablan incoherentemente y actúan alógicamente.
e) La vida entendida como una burla trágica, como una broma pesada. Nada tiene sentido y es dudoso que el esfuerzo acabe en buen puerto.
2.1. Eugène Ionesco (Rumanía, 1912 – Francia, 1994)
Sus obras son ejemplos consumados de teatro del absurdo, con el que obtuvo prestigio. La cantante calva es su primera obra de este tipo. Dos matrimonios típicamente ingleses (los Smith y los Martin) se juntan para charlar, junto con un jefe de bomberos francés. Los diálogos son disparatados y no existe la más mínima coherencia en sus pensamientos y frases. Acaban todos gritando trozos de palabras sin gran sentido. 
La lección presenta a un profesor disparatado que mata a una alumna para explicar el término “cuchillo”; sin embargo, al final de la clase, entra una nueva alumna, quedando todo como estaba. 
El rinoceronte es otra pieza estimable; Berenger y casi todos los demás habitantes de una pequeña ciudad se han convertido en rinocerontes; los rinocerontes, conformistas, sin espíritu crítico, creen vivir, porque así se lo dicen los interesados, en una democracia feliz. 
El rey se muere nos presenta al presumido monarca Berenguer tras una noche de fiesta; aparece en casulla, báculo y pantuflas. Los sonidos de la fiesta que oímos al entrar en la sala desaparecen, y el monarca de una corte que se creía atemporal, recibe la noticia de que va a morir. Asiste así a los últimos momentos de su vida junto a su primera esposa, Margarita, vestida alegremente, mientras su segunda esposa, la reina María aparece ante él toda de luto. Ella sin embargo es optimista y decidida, haciendo de guía con el médico del futuro difunto, mientras que su otra esposa intenta suavizar su agonía, junto a la enfermera Julieta y un alabardero. Todos saben que el rey morirá, pero él no quiere creerlo. Piensa que es una pesadilla y duda que ese momento esté cerca, por lo que no deja de dar órdenes con la soberbia de aquel que piensa que está al control de todo; pensar en morir le produce una gran angustia. A lo largo de la obra su personaje pasa de la rebeldía a la aceptación, y de la inquietud a la impotencia, ya que su muerte está escrita al final de la obra, por lo que no queda más que un “tremendo dolor por la propia desaparición”.
2.2. Samuel Beckett (Irlanda, 1906 – 1989)
Este irlandés huraño y brillante, amigo y asistente de James Joyce, ahondó mucho en los problemas del hombre contemporáneo: incomunicación, soledad, el sentido de su vida, etc., rayano en el nihilismo más sombrío. Su mejor obra es Esperando a Godot: dos vagabundos llamados Vladimir y Estragon que esperan en vano junto a un camino a un tal Godot, con quien (quizás) tienen alguna cita. El público nunca llega a saber quién es Godot, o qué tipo de asunto han de tratar con él. En cada acto, aparecen el cruel Pozzo y su esclavo Lucky (en inglés, afortunado), seguidos de un muchacho que hace llegar el mensaje a Vladimir y Estragon de que Godot no vendrá hoy, “pero mañana seguro que sí”. Esta trama, que intencionalmente no tiene ningún hecho relevante y es altamente repetitiva, simboliza el tedio y la carencia de significado de la vida humana, tema recurrente del existencialismo
Final de partida es otra pieza absurda. Sus protagonistas son Hamm, un viejo amo que está ciego y no puede permanecer de pie, y su sirviente, llamado Clov, que no puede sentarse. Viven en una pequeña casa junto al mar, aunque a veces el diálogo sugiere que no hay nada fuera de la casa, ni mar, ni sol, ni nubes. Los dos personajes, mutuamente dependientes, siempre se han llevado mal, y así se ve a lo largo de la obra. Clov a veces muestra una remota intención de librarse de su yugo, pero nunca es capaz de hacerlo. Los otros dos personajes que aparecen son los padres de Hamm, que no tienen piernas: Nagg y Nell, los cuales viven en sendos cubos de basura que aparecen en el escenario. De vez en cuando piden comida y hablan entre sí.
Los días felices  presenta a Winnie, una señora de mediana edad que aparece en escena semienterrada en un montículo calcinado, bajo una luz cegadora. Pese a ello, a través de un ritual de gestos cotidianos, encuentra siempre motivos, por insignificantes que sean, para considerar sus “días felices”. El rebuscado lenguaje de la protagonista revela su desmemoria. []El otro personaje de la obra, su esposo Willie, vive físicamente separado de su esposa, aunque está obsesionado por el sexo. 
Breath es un perfomance de 35 segundos de duración que acercan al dramaturgo al minimalismo total. Al comienzo se escucha un llanto de recién nacido, seguido de una respiración, acompañada de una luz que varía de intensidad; para finalizar aparece otro llanto idéntico al del principio. No hay nadie en el escenario, ningún personaje tan solo un manto de basura de todo tipo yace sobre el escenario. Se han hecho muchas interpretaciones sobre el significado de la obra, habitualmente ha sido considerada una alegoría sobre la vida desde el origen al momento de la muerte. 
2.3.  Jean Genet (Francia, 1910 – 1986)
La agitada y tormentosa vida de este novelista, poeta y dramaturgo francés no fue óbice para que escribiera importantes piezas dramáticas de teatro del absurdo. La más conocida es El balcón; alude a un burdel de una ciudad sin nombre que sufre los estragos de una revolución. Allí acuden individuos normales a realizar, dramáticamente, sus anhelos e ilusiones, como las que representan al clero, al estamento militar y al judicial, observadas por la madame y los clientes. Hay un contraste entre la atmósfera revolucionaria exterior y el mundo tradicional interior. Se plantean un conflicto político y otro filosófico (entre realidad y apariencia).  El metateatro resulta interesante en el desarrollo dramático. 
Clara y Solange Lemercier son las dos protagonistas de Las criadas, otra obra de hondo calado. Las dos hermanas, sirvientas de una vieja rica, quieren matarla, pero por el medio queda una inquietante confusión sobre la verdadera personalidad de cada una de las protagonistas, que se aman y se odian por igual; la vieja no toma la tila envenenada, pero Clara, consciente de las consecuencias, asume el papel de su ama y bebe la tiza con la infusión. 
En Los biombos presenta a unos personajes moralmente execrables, que desean seguir siéndolos; en el transfondo, hay una crítica a la colonización de Argelia por Francia y la guerra consiguiente que acabó con la independencia; la pieza tiene secciones netamente absurdas y violentas, a través de un lenguaje procaz.
  1. TEATRO DEL COMPROMISO
Frente al teatro más tradicional, expresado en la comedia, surge un drama de compromiso político y social, sobre todo en el área germánica. Animan al espectador a una reflexión fría y distanciada de los hechos presenciados en el escenario para reaccionar con más lucidez ante los problemas socio-políticos planteados.
3.1. Erwin Piscator (Alemania, 1893 – 1966)
Piscator fue actor, director de escena, dramaturgo y teórico teatral, con gran influencia en el teatro alemán del s. XX. Vivió en Rusia parte de su vida y otra en EEUU, durante la segunda guerra mundial, siempre huyendo de dictaduras que criticó ásperamente. Introdujo novedades técnicas, como el escenario giratorio, la combinación de luz y sonido de modo original, etc. Son muy conocidas son adaptaciones de Guerra y paz, El buen soldado Svejk, El vicario y Una tragedia americana. Sus direcciones dramáticas y puestas en escena siempre buscaban una actualización de las obras al mundo contemporáneo, destacando los elementos épicos y sociales.
3.2. Bertolt Brecht (Ausburgo, Alemania, 1898 – Berlín, 1956)
Este dramaturgo y teórico teatral que tuvo que vivir en el exilio parte de su vida nos dejó una original obra y unas originales e impactantes puestas de escena. Brecht es el representante más genuino del teatro épico, un modo de expresar su compromiso político de defensa y solidaridad con las masas dolientes que él contempló muchas veces en la Europa de las dos guerras mundiales. Elaboró su propia teoría dramática con la finalidad de que el espectador analizara la realidad y se movilizara para cambiarla Se ha llamado este modo teatro épico; mezcla lenguajes, farsa con drama, introduce al narrador, juega con el tiempo, crea anticlímax cómicos en momentos dramáticos, parábolas ambiguas, máscaras, etc., todo para que el espectador se distancie y mantenga una actitud crítica y activa.
Para ello creó una nueva idea del arte como comprensión total y activa de la historia: el efecto de distanciamiento, para evitar la contemplación lírica de las cosas y la subjetividad; Brecht intenta que el espectador analice bajo criterios críticos una realidad social e histórica violenta y opresora. El espectador debe alejarse de los hechos, para evitar las reacciones de sentimentalismo y provocar su conciencia crítica.
Tambores en la noche fue su primer gran éxito. Ambientada en 1919 en Berlín, en las revueltas obreras de los “espartaquistas” (movimiento obrero comunista que aspiraba a hacerse con el control de las fábricas), recrea la historia de Andreas Kragler, quien retorna a su hogar después de haber estado desaparecido, pues había sido prisionero en la primera guerra mundial. La guerra ha provocado que muchas personas sufran grandes miserias, mientras hay quienes han lucrado de los negocios de guerra. La antigua prometida de Kragler, Anna Balicke, tiene ahora un nuevo pretendiente, enriquecido durante la guerra, y bajo fuerte presión de su padre, se compromete con él. Anna está embarazada, y aun así se une a Kragler — quien ya no tiene hogar, trabajo, ni perspectivas — en el grupo de los insurrectos. Puestos ante la disyuntiva de optar entre la subversión revolucionaria o el amor, finalmente huyen juntos.
La balada de los tres centavos es teatro cantado, casi ópera, más cercana al teatro musical. Ambientada en un Londres victoriano, rico y opulento, pero en vivo contraste con sus barrios pobres y hambrientos, los que en esta obra se reflejan. La acción se centra en Macheath (también conocido como Mack el Navaja), un criminal amoral y antiheroico que se casa con Polly Peachum. Esto desagrada a su padre, quien controla a los mendigos de Londres, y pretende que cuelguen a Macheath. Sus intentos se ven frustrados por el hecho de que el Jefe de Policía, Tiger Brown, es un viejo camarada de armas de Macheath. Aun así, Peachum ejerce su influencia y con el tiempo consigue que arresten a Macheath y lo sentencien a ser colgado. Macheath escapa a su destino a través de un golpe del destino, pues momentos antes de la ejecución, en una parodia grotesca de un final feliz, un mensajero de la Reina llega para perdonar a Macheath y otorgarle un título de barón.
Vida de Galileo es una biografía dramatizada del astrónomo y científico italiano Galileo Galilei. Ambientada en 1609, la pieza se centra en los últimos años de vida del personaje, recluido en su hogar en Florencia, con su hija Virginia; transmite parte de sus conocimientos a Andrea, el hijo de su casera, la Señora Sarti. Cuando Galileo hace públicos sus descubrimientos sobre el sistema solar recibe la condena de la jeraraquía eclesiástica. Bajo presión de la Inquisición, Galileo renuncia a propagar sus tesis. En su aislamiento, recibe la visita de Andrea, convertido ya en universitario, al que hace entrega de su documento “Dos nuevas ciencias” en el que resume sus descubrimientos, pidiéndole que lo difunda por todo el mundo.
El círculo de tiza caucasiano fue escrita en el exilio en EEUU, durante la segunda guerra mundial. Ambientada en la Georgia de la Unión Soviética, presenta la disputa entre los miembros de dos koljoses por la posesión de ciertas tierras. La victoria en la querella de los agricultores sobre los ganaderos propicia una fiesta en la que aquéllos representan una vieja leyenda del lugar. La historia recrea una rebelión que tuvo lugar tiempo atrás en una vieja ciudad, que acabó con la vida del gobernador Georgi Abashwili y la huída de Natella, su esposa. El niño de ambos, Michael, queda a cargo de la cocinera Grusha. Cuando la auténtica madre regresa para reclamar a su hijo, se organiza un juicio para determinar cuál de las dos mujeres debe conservar la custodia. Se decide que el niño quedará con aquélla que consiga sacarlo de un círculo diseñado con tiza, agarrándolo cada una de un brazo,. Pese a la victoria de la viuda, Azdak el juez atribuye la custodia a Grusha.
Madre Coraje y sus hijos es la pieza más célebre de Brecht. El personaje central procede de una novela picaresca del siglo XVII: La pícara Coraje (Die Landstörzerin Courasche). El drama se sitúa durante la Guerra de los treinta años donde Madre Coraje es una astuta vendedora ambulante que para sobrevivir sortea hábilmente las diferencias entre católicos y protestantes siguiendo con su carromato al ejército sueco, sacando partido de la guerra y del dolor humano. Obtiene beneficios importantes, pero el precio que ha de pagar son sus tres hijos: Eilif, Schweizerkas y Catalina. Esta obra es un alegato antibélico, donde Anna Fierling (“Madre coraje”) -mítica figura del costo de la guerra- termina sola en su desvencijado carromato. Era una crítica a la ascensión del fascismo y una directa alusión a la invasión de Polonia por Hitler en 1939.
En la segunda mitad del s. XX, se desarrolla en Inglaterra un teatro caracterizado por el inconformismo y  la protesta contra la sociedad del momento, aquejada de diversos males, unido a profundos análisis morales; suelen adoptar posiciones comprometidas y liberales; cuidan el lenguaje y buscan la transparencia y la autenticidad; finalmente, suelen incluir una lectura simbólica de sus piezas. Los autores más representativos son John Osborne (Mirando hacia atrás con ira), Tom Stoppard (Rosencratz y Guildenstern están muertos) y Harold Pinter (La habitación). Se puede añadir a los norteamericanos Arthur Miller (La muerte de un viajante) y Tennessee Williams (La gata sobre el tejado de zinc caliente).
Advertencia: aunque la estructura, intención y sentido de la este texto es original, bastantes datos aquí proporcionados proceden de Wikipedia, donde se pueden contrastar.

Acerca de Simón Valcárcel Martínez

Catedrático de enseñanza secundaria de Lengua Castellana y Literatura en Castilla y León. Doctor en Filología Española por la Universidad de Salamanca. Autor de novelas, cuentos y obras teatrales del ámbito infantil-juvenil. En la actualidad, es asesor de formación en el CFIE de León y profesor asociado en la Universidad de León, área de Didáctica de la Lengua y la Literatura, Dpto. de Filología Hispánica y Clásica. En este blog se puede encontrar: - Filología: artículos y monografías sobre temas y autores de la literatura española. - Didáctica de la Lengua y la Literatura: reflexiones, pautas y sugerencias para mejorar la enseñanza de la lengua y la literatura, dirigidas a maestros y profesores de la materia. - Creación literaria: novelas y cuentos originales del autor, dirigidos especialmente a niños y jóvenes, pero también a adultos. - Actividades de aprendizaje de lengua y literatura: análisis textuales realizados acompañados de propuestas didácticas para mejorar y perfeccionar la competencia comunicativa.
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